Umjetnik kafana, supruga i djeca. Savjeti staraca Ilya Kabakov, umjetnik. Kreativnost prije i poslije emigracije

Dom

Ilja Iosifović Kabakov (rođen 30. septembra 1933., Dnjepropetrovsk, Ukrajinska SSR, SSSR) je sovjetski i američki umjetnik našeg vremena, predstavnik moskovskog konceptualizma.

Kabakovljeva djela "Buba" (5,8 miliona dolara, 2008) i "Luksuzna soba" (4,1 milion dolara, 2006) dva su najskuplja djela savremene ruske umjetnosti ikada prodata (oba na aukciji Phillips de Pury u Londonu).

Rođen 30. septembra 1933. u Dnjepropetrovsku u porodici mehaničara Josifa Bencionoviča Kabakova i računovođe Bele Judelevne Solodukine. 1941. godine, zajedno sa majkom, evakuisan je u Samarkand. Godine 1943. primljen je u Umetničku školu pri Lenjingradskom institutu za slikarstvo, skulpturu i arhitekturu po Repinu, čiji su nastavnici i učenici takođe evakuisani u Samarkand. Odatle je Kabakov 1945. prebačen u Moskovsku srednju umjetničku školu (MSHS). Diplomirao je 1951. godine i istovremeno upisao odsjek za grafiku na Institutu Surikov (Moskovski državni akademski umjetnički institut po V.I. Surikovu), gdje je studirao u knjižarskoj radionici profesora B.A. Diplomirao na institutu 1957.

Od 1956. Ilja Kabakov počinje da ilustruje knjige za izdavačku kuću "Detgiz" (od 1963. - "Dječja književnost") i za časopise "Malysh", "Murzilka", "Smiješne slike". Od druge polovine 1950-ih počinje da slika „za sebe“.

1960-ih bio je aktivan učesnik disidentskih umjetničkih izložbi u Sovjetskom Savezu i inostranstvu. Godine 1968. Kabakov se preselio u atelje Hula Soostera, koji je kasnije postao poznat, u potkrovlju nekadašnje stambene zgrade „Rusija“ na Sretenskom bulevaru. Iste 1968., zajedno s Olegom Vasilijevim, Erikom Bulatovom i drugim nekonformistima, sudjelovao je na izložbi u kafiću Blue Bird. Neki od umjetnikovih radova već su bili uključeni na izložbu “Alternativna stvarnost II” (L'Aquila, Italija) 1965. godine, a od ranih 1970-ih uključeni su u izložbe sovjetske nezvanične umjetnosti organizirane na Zapadu: u Kelnu, Londonu, Venecija. Od 1970. do 1976. Kabakov je naslikao 55 albuma za seriju Deset likova.

Sredinom 1970-ih napravio je idejni triptih od tri bijela platna i započeo seriju “albova” - listova s ​​natpisima na “zajedničke” teme, a od 1978. razvija ironičnu “seriju Žekovskog”.

1980. počinje manje da se bavi grafikom i fokusira se na instalacije u kojima je koristio obično smeće i prikazivao život i svakodnevicu komunalnih stanova. Kabakov je 1982. osmislio jednu od svojih najpoznatijih instalacija, „Čovek koji je iz svoje sobe doleteo u svemir“, završenu do 1986. Kasnije je takve projekte velikih razmjera počeo nazivati ​​"totalnim instalacijama". Godine 1987. dobio je svoj prvi strani grant - od austrijskog udruženja Grazer Kunstverein - i izgradio instalaciju "Prije večere" u predvorju Opere u Gracu. Godinu dana kasnije, postavio je prvu "totalnu instalaciju" projekta Deset likova u njujorškoj galeriji Ronald Feldman i dobio stipendiju francuskog Ministarstva kulture. Godine 1989. Kabakov je dobio stipendiju od strane DAAD (Nemačka služba za akademsku razmenu) i preselio se u Berlin. Od tada je stalno radio van granica najprije SSSR-a, a potom i Rusije.

Od ranih 1990-ih, Kabakov je imao na desetine izložbi u Evropi i Americi, uključujući u velikim muzejima kao što su Pariski Pompidou centar, Norveški nacionalni centar za savremenu umjetnost, njujorški Muzej moderne umjetnosti, Köln Kunsthalle, kao i na Venecijanskom bijenalu i na izložbi Documenta u Kasselu. Devedesete su postale vrijeme priznanja za umjetnika: u ovoj deceniji dobio je nagrade danskih, njemačkih i švicarskih muzeja, a od francuskog ministarstva kulture i titulu viteza Ordena umjetnosti i književnosti.

Ovo je dio članka na Wikipediji koji se koristi pod licencom CC-BY-SA. Cijeli tekst članka ovdje →

Ilja Kabakov je rođen 1933. godine u Dnjepropetrovsku. Mama je računovođa, tata je mehaničar. Godine 1941. sa majkom se evakuisao u uzbekistanski Samarkand, gdje je Lenjingradski institut za slikarstvo, skulpturu i arhitekturu privremeno premješten. Repina. Godine 1943. Ilja je prebačen u umjetničku školu kod Repinskog u Samarkandu, a 1945. - u Moskovsku umjetničku školu: Moskovsku srednju umjetničku školu na Krimskom valu, sada umjetnički licej Ruske akademije umjetnosti. U nedostatku moskovske registracije, Kabakov živi u studentskim domovima, a njegova majka živi u najnevjerovatnijim uslovima: u školskom toaletu, u uglovima soba, u štalama. Nakon što je 1951. završio Moskovsku umjetničku školu, Kabakov je ušao u Institut Surikov u knjižaru glavnog umjetnika izdavačke kuće „Detgiz“ (od 1963. – „Dječja književnost“), profesora Borisa Aleksandroviča Dekhtereva. Čak i prije nego što je diplomirao na institutu 1957., Kabakov je počeo raditi kao ilustrator u Detgizu i časopisima Funny Pictures i Murzilka. Kasnije, Kabakov govori o opresivnom stalnom osjećaju straha, koji mu je bio usađen u djetinjstvu, u spavaonicama, a koji se akutno osjećao nakon toga. Kaže da nije stigao ni da se formira, postane sam, a strah je već bio tu, strah od neispunjenja očekivanog, ispravnog, standarda. Jasno je osjećao podelu između sebe – slab, nedovoljno privlačan, netalentovan – i svojih uvježbanih automatskih reakcija na vanjske zahtjeve. Jasno sam osjetio svoju nedosljednost sa očekivanjima javnosti, ali i profesionalnih. Pošto se školovao za slikara, Kabakov priznaje da nije imao apsolutno nikakav osećaj za boje i da je mogao da razume, ali ne i da deluje spontano. Nedostatak osjećaja zamijenio je obukom i znanjem. Samo je ta činjenica morala biti skrivena, uvijek skrivena. Ceo život sebe smatra odustalim, kaže da je u umetničku školu ušao u vreme kada je ona bila u dubini, mnogi su predavali jer su morali, često bili pijani i nije težio da bilo koga razvije u bilo čemu. Tako je nesiguran i krajnje negativno povezan sa državnom mašinom, sa sovjetskim društvom u celini, Kabakov ušao u profesionalni svet. U studiju Ilje Kabakova na Sretenskom bulevaru, foto: Igor Palmin

Počevši od kasnih 50-ih i narednih 30 godina, Kabakov se bavi dečjom ilustracijom. Ovo je sa stanovišta cenzure bilo najnezahtjevnije područje bilo je „obučiti se“, crtati upravo onako kako je likovni urednik želio, naučiti, kako sam umjetnik kaže, gledati očima; urednik. Kabakov se integrisao u sistem, postao član Unije umetnika i za 2-3 meseca, popunivši 3 knjige, finansijski obezbedio sebe i svoju porodicu godinu dana. Štaviše, što je slabiji književni materijal, to je bilo manje kajanja. Kako sam kaže, nije imao ljubav prema ilustraciji i bavio se njome kao minimalnim i dovoljnim načinom postojanja unutar sistema kojem nije vidio smisla suprotstavljati se – za njega je to izgledalo vječno. Ipak, ovaj princip - spolja govoreći općeprihvaćenim, banalnim jezikom, ali u isto vrijeme izmišljajući svoja značenja i živjeti u svom vlastitom svijetu - postaje temelj za Kabakovljev rad.

Ilustracija za knjigu S. Marshaka “Kuća koju je sagradio Džek”“, 1967., zbirka Muzeja ART4

Godine 1957. u Moskvi je održan Svjetski festival omladine i studenata, u Moskvu je došao ogroman broj bistrih, veselih stranaca, uključujući umjetnike, održane su zajedničke izložbe i međunarodni umjetnički studio. Godine 1959. održana je Američka izložba u Sokolniki. Albumi i knjige o savremenoj umjetnosti stižu u zemlju. Podzemni sovjetski umjetnici su uznemireni.

Nezvanična čl

U tom periodu Ilya Kabakov je započeo nezvaničnu umjetničku aktivnost. Član je „Kluba nadrealista“ koji vode Hulot Sooster i Jurij Sobolev (umetnički urednik izdavačke kuće Znanie), članovi ove grupe su i Jurij Pivovarov i Vladimir Yankilevsky. U radionici pod krovom bivše osiguravajuće kompanije Rossiya na Trgu Turgenjevska, Sooster, koji je preko estonskih kanala imao pristup malo poznatom naslijeđu nadrealizma u SSSR-u, slika žbunje kleke, ribe, izmišlja parabole i izvodi složene simboličke sisteme iz njegovih snova. Kako Kabakov kaže – a utvrđivanje korespondencije njegovih priča sa istorijskom stvarnošću teško je i uopšte nije neophodno – u prvim godinama nakon fakulteta nastoji da naslika „apsolutnu“ sliku, „remek delo“, lepo i savršeno umetničko delo. - i nakon nekog vremena potpuno napušta ovu ideju. U tom periodu formiran je čitav niz radionica u području Čiste prude, koje su postale mjesta za komunikaciju između umjetnika, pjesnika, pozorišnih i filmskih radnika i za održavanje nezvaničnih izložbi. Direktori muzeja, stranci i uposlenici diplomatskih misija ovdje dolaze sasvim slobodno, kontakti sa ljevičarskim aktivistima iz drugih zemalja posebno su cijenjeni - jer ih SSSR ne može uvrijediti iz političkih razloga. Sve se to dešava striktno nezvanično, nije dobrodošlo ni u društvu ni u KGB-u, ali se stroga kontrola ne oseća. Godine 1962., na izložbi u Manježu, Hruščov je nesocijalističke realiste nazvao „pederastima“ i utvrdio da se „odmrzavanje“ bliži kraju. Međutim, 1965. godine radovi glavnih članova Kluba nadrealista uvršteni su na veliku izložbu “Alternativna stvarnost II” u Italiji, gdje su predstavljeni i Hockney i Magritte, te su u katalogu raspoređeni u različite kategorije. Sooster završava u "Simboličkoj magiji", Sobolev i Yankilevsky - u "Vizionarskoj perspektivi", Kabakov - u "Fikciji i ironiji". Nakon toga, Kabakov je počeo izlagati u inostranstvu kao neslužbeni sovjetski umjetnik - u Veneciji, Londonu, Kelnu.

Vjeruje se da su početkom 70-ih Vitalij Komar i Alexander Melamid smislili novi način djelovanja u potrebi za vanjskom mimikijom, obaveznom među nezvaničnim umjetnicima: počeli su raditi u ime izmišljenih umjetnika - apstrakcioniste iz 18. stoljeća Apellesa Zyablova. , realista ranog 20. veka Nikolaj Bučumov, „Poznati umetnici s početka 70-ih godina XX veka” ili mešanje mnogih stilova iz različitih perioda. Kabakov usvaja strategiju karaktera od Komara i Melamida i razvija je. On je bio prvi koji je teorijski shvatio karakterizaciju. U tekstu „Umjetnik-lik“, napisanom 1985., Kabakov naglašava nemogućnost neposredne, direktne kreativnosti, s jedne strane, u dominaciji zvanične sovjetske umjetnosti, as druge, u situaciji odsustva umjetničkog života. - izložbe, gledaoci, kritike - za nezvanične umjetnike. I sami su prisiljeni da sami sebi izmisle umjetnički svijet, ali on se ispostavi da je zamrznut, beživotan, vječan - uostalom, trenutnog umjetničkog života nema. U iluzornom svijetu umjetnik se nalazi unutar cjelokupne istorije umjetnosti, a vlastito stvaralaštvo od nje je distancirano prvenstveno ovim nevjerovatnim vremenskim periodom. Nivo odraza koji zahtijeva panorama historije koja se istražuje ne ostavlja priliku da se jednostavno slika i slika. Potreban nam je umetnik-lik, odvojen, sa svojom biografijom i karakterom, on je taj koji će proizvoditi umetnost prema svojoj unutrašnjoj potrebi. Odnosno, imaginarni umjetnik je svojevrsno oruđe za prilagođavanje sovjetskoj umjetničkoj situaciji.

Moskovski konceptualizam

A. Aksinin i I. Kabakov u Kabakovovoj radionici na Sretenskom bulevaru. Moskva, septembar 1979

Od 1970-76, Kabakov je stvorio 55 grafičkih albuma o "10 likova" ("Leteći Komarov", "Gledajući Arkhipov", "Matematički Gorski", "Snovi Anne Petrovne", "Mučenje Surikova" i tako dalje). Svaki crni folder sadrži od 30 do 100 listova koji ilustruju poglede ili direktno stavove glavnog lika i komentare drugih učesnika događaja. Često se ovi "albumi" nazivaju konceptualnim stripovima. Praksa gledanja ovih folderskih albuma bila je da bi u kućnom okruženju autor recitovao i pokazao priče okupljenim inicijatima. U “10 likova” Kabakov pokazuje različite načine prevazilaženja stvarnosti, to je, zapravo, glavna tema njegovog rada. Pričajući Borisu Grojsu mnogo kasnije o strašnoj dosadi života i istoj dosadi umetnosti, Kabakov govori o magičnom trenutku kada se dosadan predmet, jednostavno zahvaljujući njemu, Kabakovu, iznenada pretvara u večno – postaje umetnost. Samo treba da shvatite kako - i ovaj trenutak ga beskrajno uzbuđuje. Zatim, sredinom 70-ih, Kabakov je počeo da radi na "albumima" o zajedničkom životu i stambenoj kancelariji. Kabakov na komunalni stan, koji dobro poznaje iz vlastite biografije, gleda kao na kvintesenciju sovjetskog: nešto u čemu se ne može živjeti, ali iz čega se ne može pobjeći.

Godine 1979. Boris Grojs, koji se nedavno preselio iz Lenjingrada u Moskvu, napisao je programski tekst „Moskovski romantični konceptualizam“, određujući da se ruski umetnici, čak i kao konceptualisti i analitičari, ne mogu, za razliku od evropskih i američkih, osloboditi duhovnosti i večnosti. . Groys kao primjer navodi kratke analize djelovanja 4 umjetnika među njima, ali vrlo brzo se za njega čvrsto zadržala oznaka osnivača i vođe moskovskog romantičarskog konceptualizma.

Ilya Kabakov, „Anna Evgenievna Koroleva: Čija je ovo muva?“, 1987., iz zbirke Muzeja ART4

Ilja Kabakov, Kabakov razmišlja o interakciji između riječi i slike na sljedeći način: slika je, na neki način, eksternalizirano polje svijesti. Da bi se to uočilo, neophodan je rad svesti. S druge strane, slika na slici je u interakciji s činjenicom da zid na kojem visi također ima svoju vizualnost. A kada se u sliku kombinuju različite slike, kao što se dešava kod Kabakova, ceo posmatrani prizor se deli na različite objektne komponente, a slika ispada iz svesti i postaje objekat. Ali napisane riječi se odmah čitaju i odlaze pravo u svijest, crtajući tamo cijelu sliku. S treće strane, riječi koje Kabakov koristi na svojim slikama su direktan govor, svakodnevni, fragmentarni. Ovo je govor koji bukvalno čujemo u svojim mislima. Oni koji izgovaraju ove riječi - a mi uvijek znamo njihova imena i prezimena - kao da stoje u blizini. Tako govor postaje materijal, na neki način predmet. Štaviše, ne samo fizički, već čak i „prostorni“. More glasova i riječi neprestano se njiše oko svakoga, piše Kabakov, i vrijedi oponašati dio nečijeg govora, a unutrašnje more govora će se uzburkati u onome ko ga čuje. Dakle, kombinacija riječi i slika na slici zbunjuje vanjskog i unutrašnjeg gledatelja, uranjajući ga u snažne iluzije.

Kabakov razmišlja o interakciji između riječi i slike: slika je, na neki način, eksternalizirano polje svijesti. Da bi se to uočilo, neophodan je rad svesti. S druge strane, slika na slici je u interakciji s činjenicom da zid na kojem visi također ima svoju vizualnost. A kada se u sliku kombinuju različite slike, kao što se dešava kod Kabakova, ceo posmatrani prizor se deli na različite objektne komponente, a slika ispada iz svesti i postaje objekat. Ali napisane riječi se odmah čitaju i odlaze pravo u svijest, crtajući tamo cijelu sliku. S treće strane, riječi koje Kabakov koristi na svojim slikama su direktan govor, svakodnevni, fragmentarni. Ovo je govor koji bukvalno čujemo u svojim mislima. Oni koji izgovaraju ove riječi - a mi uvijek znamo njihova imena i prezimena - kao da stoje u blizini. Tako govor postaje materijal, na neki način predmet. Štaviše, ne samo fizički, već čak i „prostorni“. More glasova i riječi neprestano se njiše oko svakoga, piše Kabakov, i vrijedi oponašati dio nečijeg govora, a unutrašnje more govora će se uzburkati u onome ko ga čuje. Dakle, kombinacija riječi i slika na slici zbunjuje vanjskog i unutrašnjeg gledatelja, uranjajući ga u snažne iluzije.

Svoj rad Kabakov naziva "prikrivanjem" - kada se kaže nešto što se ne misli, dovodeći u polje umjetnosti sovjetsku situaciju riječju koja je izgubila svako značenje, ili "trakom zabrane govora". Na zanimljiv način Kabakov ovaj jaz između riječi i značenja pretvara i na sebe. Oduševljeno piše da je gledanje na njegova već završena djela izazvalo u njemu najaktivniju misaonu aktivnost u njihovom tumačenju. Ovdje sugerira da je nešto od onoga što misli tek nakon što je dovršio sliku već bilo u njemu u vrijeme njenog nastanka, makar i nesvjesno - pa stoga, potencijalno, i gledatelj se može upustiti u te različite interpretacije. Ali glavno je da ta namjera nije svjesno prešla u sliku, što znači da je Kabakovljeva svijest ostala izvan nje, on je slobodan od nje. Slika je "opciona" ne samo za gledaoca, već i za Kabakova.

Naravno, postoji mnogo drugih tumačenja, uključujući i samog Kabakova. Recimo, u razgovorima sa Grojsom 1990. godine, Kabakov objašnjava reči na svojim slikama već pomenutim strahom, o čemu on, u principu, mnogo govori. Književnocentričnom, vizuelno neobrazovanom sovjetskom subjektu - iz straha "da ne bude adekvatno shvaćen i paničnog straha od tuđe nepažnje" - Kabakov jednostavno kaže ono što je umetnik hteo da kaže. On anticipira i time parališe govor posmatrača i njegovu potencijalnu negativnu ocjenu.

Novi početak

Osamdesetih godina prošlog stoljeća započela je nova linija u Kabakovovoj umjetnosti: počeo je slikati šarene slike. Tekst iz njega ne nestaje, već se značajno transformiše. Sada realistično-impresionističko slikarstvo ispunjava čitavo polje slike, a tekst nenametljivo postoji na vrhu, ne pretendujući više na primat, kao što je to bilo ranije, već se samo integrišući u svijet slike. Ovdje postoji jasna tranzicija – koja se upravo poklapa sa sličnim prijelazom u cijelom zapadnom svijetu – od kritičkog romantičnog konceptualizma do postmodernizma, do preokupacije slikama. Treba napomenuti da je sva sovjetska vizuelnost transformisana u ovom periodu. Perestrojka otvara vrata stranoj masovnoj kulturi, televizija i časopisi postaju šareni, a u osnovi avangardni didaktički jezik zidnih novina postaje zastario i nepopularan. Kabakov, reagujući na promenjene uslove, zadržava ironičan stav prema njima. Slike granica sovjetskih svakodnevnih snova ili živopisne fotografske ilustracije komentiraju se praznim ili izrazito emotivnim tekstovima, pokazujući odsustvo bilo kakvog smisla u odnosu na svijet. Najpoznatija djela ovog ciklusa su “Luksuzna soba” (1981) – reklama za hotelsku sobu, “Gastronom” (1981) – san o izobilju, “Aleja” (1982) – sovjetsko gradilište za nove društvene jedinice , “Buba” (1982) – fotografija bube s dječjom pjesmom.

Početkom 1980-ih, Kabakov je počeo stvarati svoje prve instalacije. Njegova prva instalacija bila je “Mrav” (1993), naslovnica knjige za djecu “Detgiza” i pet stranica rukom pisanih razmišljanja osobe o umjetničkom i intelektualnom potencijalu neumjetnosti: ova naslovnica. Kako Kabakov kasnije kaže, naravno, ovaj mrav je, metaforički i ontološki, kao vrsta bića, bio on sam. Sljedeća – “Sedam izložbi jedne slike” – nudi 4 slike, svaka okružena brojnim kaligrafski ispisanim komentarima različitih gledalaca. Tu Kabakov shvaća to brujanje glasova, o kojem i on mnogo priča, to brujanje sasvim drugih procjena i stavova, što mu je važnije od procjena i stavova bliskih, razumjelih ljudi - jer slučajni glasovi su kultura, gdje je Kabakov nastoji da postane uobičajeno ime - tako on definiše uticaj. U svim njegovim kasnijim instalacijama uvijek je prisutan govor drugih, režanje drugih, iritacija na prisustvo drugih, raspoloženje u zajedničkom stanu. Od 1982-86 snimio je čuveni „Čovjek koji je iz svoje sobe doletio u svemir“. Prostorno rješenje Kabakovljeve glavne metafore sovjetskog života omogućava mu da na novi način radi s onim što opisuje kao sovjetska mandala – zatvoreni prostor s vlastitom moćnom energijom koja usmjerava sve što se u njemu događa. Sve društvene institucije poznate čovječanstvu nalaze svoje oličenje u prostoru zajedničkog stana.

Ilja Kabakov, strinstalacijski projekat “Crveni auto”, 1991

Međunarodno priznanje

1988. održana je prva moskovska aukcija Sotheby'sa - djela nezvaničnih umjetnika izašla su na otvoreno tržište. Kabakov se 1989. oženio Emilijom Lekah, koja je emigrirala iz SSSR-a 1975. godine. Od ovog trenutka oni rade u saradnji, a njihova dela su potpisana dvostrukim imenom, dalje je netačno govoriti o delima Ilje Kabakova kao samostalnog autora. Često se Emilijina uloga svodi na precizno upravljanje i organizaciju, ali, prvo, u skladu s Kabakovljevom teorijom, umjetnik-menadžer nije ništa manje važan tip od svih ostalih, a drugo, oni aktivno insistiraju na strogo duetskom autorstvu djela.

Od 1987. godine Kabakov, a već ima 54 godine, počinje sa aktivnim umetničkim i izložbenim aktivnostima u inostranstvu. U ovom trenutku interesovanje za umjetnost perestrojke u Evropi i SAD je na vrhuncu. Prva instalacija u okviru granta napravljena je za operu u Gracu u Austriji: “Prije večere”. Sljedeći radovi su u New Yorku, Francuskoj, Njemačkoj. Godine 1989. Kabakovi su se preselili u Berlin i nikada se nisu vratili u Rusiju. Godine 1992. Ilja i Emilija kreirali su scenografiju za „prvu postkomunističku operu“ – Šnitkeov „Život sa idiotom“ po priči Viktora Erofejeva – u amsterdamskoj operi. Tokom 90-ih, Kabakovi su stalno izlagali u Evropi i SAD: u Pompidou centru u Parizu, u MoMA u Njujorku, u Kunsthalle u Kelnu, u Nacionalnom centru za savremenu umetnost u Oslu, 1992. u Documenti IX u Kaselu. 1993. godine na Venecijanskom bijenalu, Kabakovi su dobili „Zlatnog lava” za rad „Crveni paviljon” 1997. godine, Kabakovi su postavili objekat „Pogledati gore, čitajući reči” za Skulptur.Projecte u Minsteru. Uslijedile su brojne nagrade i francuska titula Chevalier Ordena umjetnosti.

Ilya i Emilia Kabakov

Emilia vješto gradi marketinšku stranu umjetničkog djelovanja. To ograničava broj djela dua na tržištu, pri čemu glavni muzeji suvremene umjetnosti postaju poželjni vlasnici - čak i ako nemaju budžet da plate tržišnu vrijednost. Kabakovi što preciznije odgovaraju na zahtjeve i zakone tržišta i brzo postaju ne samo uspješni postsovjetski umjetnici, već i svjetske umjetničke ličnosti. Oni stvaraju mit o sovjetskom čovjeku, razumljiv zapadnoj umjetničkoj zajednici. Njihov rad je spektakularan i odličan za velike prostore. Kabakovi postaju personifikacija svjetonazora sovjetske osobe za zapadnoevropskog i američkog gledatelja zaintrigiranog i odgojenog u određenoj estetskoj paradigmi.

2000-ih godina počela je popularnost Kabakova u Rusiji. 2003. godine otvorena je izložba „Ilja Kabakov. Foto i video dokumentacija života i stvaralaštva" u Moskovskoj kući fotografije (MAMM), 2004. - velika izložba "Deset likova" u Tretjakovskoj galeriji i, zajedno sa Emilijom, "Incident u muzeju i drugim instalacijama" - u Glavnom štabu Ermitaža. Kabakovi doniraju Ermitažu 2 instalacije, a Mihail Pjotrovski ih naziva početkom Ermitažne kolekcije savremene umetnosti. Uslijedila je izložba 9 instalacija od 1994-2004 u Stella Art Foundation. 2006. i 2008. godine, kada je ruska umjetnost odavno prestala da izaziva međunarodno uzbuđenje, ali je uslijedio drugi val njenog poskupljenja zahvaljujući bumu interesovanja ruskih kolekcionara, slike "Lux Room" (1981) i "Buba" (1982) prodati su na aukciji Philips de Pury (London) za rekordne iznose za ruska umjetnička djela.

Danas su Ilja i Emilija Kabakovi prilično aktivni u izlagačkoj delatnosti, njihovi radovi se nalaze u zbirkama 250 muzeja širom sveta, više od 50 skulpturalnih kompozicija u urbanim prostorima.

Prema ocjenama, najskuplji ruski umjetnik je Mark Rothko. Njegov "Beli centar" (1950), prodat za 72,8 miliona dolara, takođe je na 12. mestu na listi najskupljih slika na svetu uopšte. Međutim, Rothko je bio Jevrej, rođen u Letoniji i napustio Rusiju sa 10 godina. Da li je pošteno tražiti rekorde sa tolikom dužinom? Stoga smo Rothka, kao i druge emigrante koji su napustili Rusiju, a da još nisu postali umjetnici (na primjer, Tamara de Lempicki i Chaim Soutine), prešli sa liste.

Br. 1. Kazimir Malevich - 60 miliona dolara

"Suprematistička kompozicija". 1916. (Sotheby's, 2008.)

Autor “Crnog kvadrata” je previše važna osoba da bi se njegova djela često mogla naći na tržištu. Tako je ova slika dospela na aukciju na veoma težak način. Godine 1927. Maljevič je, planirajući da organizuje izložbu, doneo skoro stotinu radova iz svoje lenjingradske radionice u Berlin. Međutim, on je hitno pozvan u domovinu, a ostavio ih je na čuvanje arhitekte Huga Heringa. Slike je spasao u teškim godinama fašističke diktature, kada su mogle biti uništene kao „degenerisana umjetnost“, a 1958., nakon Malevičeve smrti, prodao ih je Državnom muzeju Stedelek (Holandija).

Početkom 21. stoljeća grupa Maljevičevih nasljednika, gotovo četrdeset ljudi, pokrenula je sudski postupak - jer Hering nije bio zakoniti vlasnik slika. Kao rezultat toga, muzej im je poklonio ovu sliku, a dat će im još četiri, što će sigurno izazvati senzaciju na nekoj aukciji. Na kraju krajeva, Malevich je jedan od najlažnijih umjetnika na svijetu, a porijeklo slika iz muzeja Stedelek je besprijekorno. A u januaru 2012. naslednici su dobili još jednu sliku sa te berlinske izložbe, odnevši je iz švajcarskog muzeja.

br. 2. Vasilij Kandinski - 22,9 miliona dolara

"Fuga", 1914. (Sotheby's, 1990.)

Na aukcijsku cijenu djela utiče njegova reputacija. Ovo nije samo veliko ime za umjetnika, već i “provenijencija” (poreklo). Predmet iz poznate privatne kolekcije ili dobrog muzeja uvijek vrijedi više od djela iz anonimne zbirke. “Fuga” dolazi iz čuvenog Gugenhajmovog muzeja: jednog dana direktor Tomas Krenc je iz muzejskih zbirki uklonio Kandinskog, sliku Šagala i Modiljanija, i stavio ih na prodaju. Iz nekog razloga, muzej je dobivenim novcem kupio zbirku od 200 djela američkih konceptualista. Krenz je dugo osuđivan zbog ove odluke.

Ova slika oca apstraktne umjetnosti zanimljiva je jer je postavila rekord davne 1990. godine, kada aukcijske sale Londona i New Yorka još nisu bile ispunjene nesavjesnim ruskim kupcima. Zahvaljujući tome, inače, nije nestao u nekoj vrlo privatnoj kolekciji u luksuznoj vili, već je u stalnoj postavci u privatnom Beyeler muzeju u Švajcarskoj, gde je svako može videti. Rijetka prilika za takvu kupovinu!

Br. 3. Aleksej Javlenski - 9,43 miliona funti sterlinga

"Chocco u šeširu širokog oboda", oko 1910. (Sotheby's, 2008.)

Nepoznati kupac je platio približno 18,5 miliona dolara za portret koji prikazuje djevojku iz sela u blizini Minhena. Shokko nije ime, već nadimak. Manekenka je, dolazeći u umetnikov studio, svaki put tražila šolju tople čokolade. Tako je "Shokko" zaživeo za njom.

Aleksej Javlenski, iako najbliži saradnik Kandinskog, nije baš poznat umetnik u svojoj domovini. Ali na Zapadu uživa zasluženu popularnost i, kao što vidite, tek neznatno zaostaje za svojim prijateljem po rezultatima aukcije. U istoriju umetnosti ušao je pod imenom Alexej von Jawlensky, prešlo u nemački stil. Inače, njegova ljubavnica, ekspresionistička umjetnica Marianne Werefkin, također malo poznata među nama, uglavnom se potpisivala kao Marianne von Werefkin.

Br. 4. Marc Chagall - 16,3 miliona dolara

"godišnjica". 1923. (Sotheby's, 1990.)

Još jedna kupovina iz 1990-ih koja bi ovih dana bila mnogo skuplja - i, poput fuge Kandinskog, iz Gugenhajm muzeja. Slika iz Šagalovog zlatnog perioda zasnovana na njegovoj omiljenoj temi, koju bi ponavljao nebrojeno puta - letu sa obožavanom suprugom Belom.

Slika se zove “Godišnjica” i datira iz 1923. godine, ali je zanimljivo da čuveni njujorški Muzej moderne umjetnosti MOMA od 1949. čuva potpuno istu sliku iz 1915. pod nazivom “Rođendan”. U principu, nije važno kakav je porodični praznik ovdje prikazan: glavna stvar je da se bračni par spoji u poljupcu.

Br. 5. Natalija Gončarova - 6,43 miliona funti

"Španac". OK. 1916. (Christie's, 2010.)

Amazonka avangarde jedan je od najtraženijih ruskih umjetnika na umjetničkom tržištu. Njeni radovi se obično prodaju po veoma visokim cenama, a da nismo odlučili da od svakog autora uzmemo po jednu sliku, oni bi popunili celu listu. Na primjer, "Cvijeće" za 5,52 miliona funti, ili "Crne žene" za 2,6 miliona funti, koje je oligarh Doronin kupio na poklon Naomi Campbell.

Popularnost podrazumeva prevare i skandale: nedavno su dve knjige o Gončarovoj objavljene na Zapadu, gde su stručnjaci iz Tretjakovske galerije bili iznenađeni kada su pronašli skoro 300 dela koja su im potpuno nepoznata. Polovina ih je bukvalno nastala niotkuda, iz neke privatne kolekcije. S vremenom će i ove sumnjive slike vjerovatno završiti na aukciji. Stručnjaci tužno uzdišu: to će imati štetan učinak na prodaju umjetnikovih stvarnih predmeta.

br. 6. Nikolaj Fešin - 6,95 miliona funti

"mali kauboj" 1940. (MacDougall's, 2010.)

Umjetnik iz Kazanja, Repinov učenik, koji je 1923. emigrirao u Sjedinjene Države, u domovini je poznat samo osoblju Kazanskog muzeja, gdje se čuvaju mnoga njegova djela. Brzi uspon Fechinove slike na tako visoku cijenu jedna je od najčudnijih misterija 2010. Štaviše, istog proljeća ovo djelo je kupljeno za 600 hiljada dolara Zanimljivo je da se posao nije dogodio na tako cijenjenoj aukciji kao što su Christie's ili Sotheby's, već na aukciji mlade kuće MacDougall, koja je specijalizirana za rusku umjetnost i umjetnost. pripada bračnom paru Engleza i Rusa. Ogovarali su da nema pravog posla, a cijela ova priča bila je samo PR trik da se umjetniku naduvavaju cijene.

Br. 7. Ilja Repin - 4,52 miliona funti

"pariški kafić" 1875. (Christie's, 2011.)

Slike klasika Repinovog kalibra izuzetno su rijetke za prodaju - odavno su rasprodane muzejima. Ovu sliku kupio je švedski kolekcionar 1916. godine i od tada je ostala skrivena od očiju javnosti. U 95 godina prikazan je samo tri puta - posljednji put na predaukcijskoj izložbi u Moskvi.

Scenu iz pariskog života napisao je mladi umjetnik koji je već za vrijeme studija u Parizu stekao reputaciju inkriminirajućim „Teglenicama“. Sada to ne razumijemo, ali u stvari, prikazana scena je krajnje skandalozna: žena se usudila da se pojavi u kafiću bez pratnje! To znači da je ovo dama od polumonda, pala žena... Gospoda je gledaju s negodovanjem, napuštajući oskrnavljeno mjesto. Ruski kritičari kritizirali su Repina zbog tako neozbiljne zavjere i pozvali ga da se vrati ispravnim "ruskim" populističkim temama, što je i učinio. Napominjemo - dama je mirna i ravnodušna prema osudi gomile. Ali 20 godina kasnije, Repin je prepravio njenu figuru, dajući joj stidljiv izraz - tako da je slika postala moralizirajuća. Švedski vlasnik je nakon rendgenskog snimanja obnovio originalnu verziju.

br. 8. Vasilij Polenov - 4,07 miliona funti

“Ko je od vas bez grijeha?” 1908. (Bonhams, 2011.)

Autorsko ponavljanje čuvene slike iz Ruskog muzeja o Hristu i grešniku zamalo nije umrlo od sante leda. Htjeli su ga odvesti u Sjedinjene Države na Titaniku. Ali uspjelo je. Slika je ipak završila u SAD, na izložbi i prodaji. Američki filantrop poklonio je to i drugo djelo Kristovog ciklusa, "Krivi za smrt", univerzitetu, što ih je držalo u potpunoj nevjesti skoro 80 godina. I u 21. veku, gledajući sa iznenađenjem na rastuće cene ruskih stvari, izvadio ih je iz skladišta i dao na prodaju.

Pre aukcije, obe slike su bile nakratko izložene u Lavrušinskom. Prema zvaničnoj verziji, da bi privukli pažnju dobrih sponzora, odjednom će ih kupiti za državnu galeriju. Zapravo, prije aukcije, ovi bi lotovi bili "zaraženi" veličinom i sjajem imena Državne Tretjakovske galerije i originala koji u njoj visi. Ovo nije praznovjerje, već svojstvo masovne svijesti - i zaista djeluje. Obje slike su s velikim uspjehom prodate pod čekićem. Kupio ih je nepoznati kupac, avaj - ne ljubazni sponzor.

br. 9. Konstantin Somov - 3,7 miliona funti.

"Duga". 1927. (Christie's, 2007.)

U slatkoj 2007. godini prije krize, prodaja slike za tako kolosalnu svotu postala je senzacija. Ispostavilo se da je platno najskuplje umjetničko djelo prodato na "ruskoj aukciji" - tako se naziva nekoliko dana kada glavne svjetske kuće održavaju prodaju samo ruske umjetnosti u svjetskim aukcijskim prijestolnicama. Kandinski i Malevič se, na primjer, prodaju na aukcijama impresionista i modernista, zajedno s umjetnicima svjetskog značaja. A autori poznati samo u domovini rezervisani su upravo za takvu prodaju. Obično se održavaju u Londonu, tako da većina lotova na našoj listi ima rekordne cijene u britanskim funtama, a ne u dolarima.

Br. 10. Ilja Kabakov - 2,9 miliona funti

"Buba". 1985. (Phillips de Pury, 1998.)

Prvi predstavnik ruske „savremene umetnosti“ na listi je legendarni Ilja Kabakov, duša moskovskog konceptualizma. Svetsku slavu stekao je već u egzilu. Na dnu slike je dječja pjesmica o tome kako mali dječak želi nabaviti ovu bubu za svoju kolekciju. Prema mišljenju umjetničkih kritičara, ovaj tekst se "rimuje" sa situacijom među kolekcionarima umjetnina: sada su Ilya Kabakov i njegovi radovi postali vrsta buba o kojima kolekcionari sanjaju.

Br. 13. Boris Kustodiev - 2,84 miliona funti

"Country Fair", 1920. (Sotheby's, 2009.)

Lepa radnja, ponavljanje veće slike iz Ruskog muzeja - rad je koštao skoro 4,5 miliona dolara. Ploča se pokazala od velike pomoći u poboljšanju ugleda dobrog umetnika Kustodijeva. Činjenica je da se prethodni trijumf ovog autora, slika "Odaliska" (3 miliona dolara, Christie's, 2005), koju je kupio Fabergeov kolekcionar Viktor Vekselberg, pokazao lažnom. Aukcija, u principu, daje petogodišnju garanciju, ali je tada tvrdoglavo odbijao da prizna svoju grešku. Vekselberg je izgubio milione - a aukcijske kuće još više, jer se, kažu, oligarh uvrijedio i prestao je s novim kupovinama.

Br. 12. Aleksandar Jakovljev - 2,82 miliona funti

„Portret umetnika Vasilija Šuhajeva u njegovom ateljeu“, 1928. (Christie's, 2007.)

Najpoznatija slika majstora Srebrnog doba Jakovljeva je „Dvostruki autoportret u obliku Arlekina i Pjeroa“. Jakovljev je sebe naslikao kao jednog klovna, a njegov prijatelj, umjetnik Šuhajev, prikazao ga je kao drugog klovna. Ali na istom portretu Šuhajev je prikazan u "civiliziranijem" obliku.

Slika je, da budem iskrena, pomalo dosadna, ne nalik na prethodni aukcijski rekord Jakovljeva - dvije crne žene “Titi i Narange, kćeri vođe Eke Bondo” (2,5 miliona dolara), koju je umjetnik naslikao nakon putovanja u Saharu i Ekvatorijalna Afrika. Po broju zanimljivih "etnografskih" stvari, Jakovljev je generalno uporediv sa Vereščaginom. A izrazit utjecaj Art Deco stila čini ih neponovljivim.

Br. 13. Vladimir Baranov-Rosin - 2,73 miliona funti

"Ritam (Adam i Eva)". 1910. (Christie's, 2008.)

Još jedan emigrant, malo poznat u svojoj domovini, ali njegov talenat je neosporan. Baranov-Rosin je postao umetnik u Parizu, vratio se u Rusiju posle Oktobarske revolucije, pobegao nazad u Francusku 1920-ih i konačno umro u Aušvicu. Ova avangardna slika jedno je od njegovih najboljih radova. Inače, evo još jednog faktora koji utiče na cenu lota: u aukcijskom katalogu ispod reprodukcije stoji da će slika, ko god da je kupi, uskoro biti izložena u Hamburgu, na izložbi posvećenoj Nižinskom. Čitamo između redova: “Ko god kupi ima priliku da vidi svoje ime na etiketi na popularnoj izložbi!” Ispostavilo se da buduće izložbe čine sliku još primamljivijom od prošlih.

Br. 14. Ivan Aivazovski - £2,7 miliona

"Američki brodovi kod Gibraltarske stijene." 1873. (Christie's, 2007.)

Glavni ruski marinski slikar uživa stabilnu popularnost (tačnije, jermenski - njegovo puno ime je Hovhannes Ayvazyan). Prosječna cijena slike Aivazovskog je oko milion dolara, ali je ova koštala nepoznatog kupca 5,3 miliona dolara Zanimljivo je da je sam umjetnik posjedovao oko 6 hiljada djela, a sada ih ima više od 60 hiljada širom svijeta.

Razgovarajmo o uobičajenoj metodi krivotvorenja: da bi krivotvorili rad skupog ruskog pejzažista, uzimaju rad njegovog jeftinog evropskog savremenika i iz njega uklanjaju sve detalje koji ukazuju na njegovo porijeklo. Takva je, na primjer, slika direktora škole u Diseldorfu Andreasa Achenbacha, prodata na aukciji u Kelnu 2001. godine i otkrivena u Moskvi 2003. kao djelo Aivazovskog.

br. 15. Vasilij Vereščagin - 2,28 miliona funti

“Taj Mahal. Večer", 1874-1876 (Sotheby's, 2011)

Najpoznatije Vereščaginovo djelo je planina lobanja "Apoteoza rata". Međutim, sa svojih azijskih putovanja umjetnik je donio mnogo mirnijih djela - svijetle pejzaže i skice nacionalnih tipova. Vereščagin je 1890-ih organizirao izložbu u SAD-u. Ova slika je potom prodata za 1.000 dolara i na kraju je bila odlična investicija. Među ostalim Vereščaginovim slikama koje su nedavno otišle pod čekić je “Rimsko raspeće” iz serije posvećene raznim vrstama pogubljenja. Nedavno je prodan za 1,7 miliona funti.

Br. 16. Mihail Larionov - 2,26 miliona funti

"Mrtva priroda sa vrčem i ikonom." 1910-1912 (Sotheby's, 2007)

Radovi Larionova se vrednuju jeftinije od radova njegove supruge Natalije Gončarove. Ona je generalno bila talentovanija od njega, ali brak je bio iznenađujuće srećan. I formalizirali su svoju vezu oko 50. godine braka. Možda je ovo jedan od recepata?

Ova mrtva priroda u stilu primitivizma ne može se smatrati primitivnom. Osim harmonične kombinacije boja, sadrži i duboku simboliku. Vrč (možda mediteranska amfora) predstavlja zapadnjačku kulturu na desnoj strani je centralnoazijski čamac. Između njih je velika karta Rusije. Ikona je vjerovatno "Katedrala Arhanđela Mihaila", umjetnikovog nebeskog pokrovitelja. Koristeći ove predmete, Larionov govori o tome šta čini njegovu suštinu kao osobe.

Br. 17. Mihail Nesterov - 4,3 miliona dolara.

"Vizija omladine Bartolomeja." 1922. (Sotheby's, 2007.)

Autorsko ponavljanje jedne od najpoznatijih ruskih slika simbolističke ere. Upola je manji od originala, a umjetnik je dodao mjesec dana na nebu. Original, naslikan 1890. godine, nalazi se u Tretjakovskoj galeriji - kopiju je umjetnik napravio skoro trideset godina kasnije. Stvarno sam htela da jedem. A u Sovjetskoj Rusiji samo su sakupljali radove da bi ih poslali na američku izložbu i prodaju. Amerikanci nisu baš razumeli rusku umetnost dvadesetih godina prošlog veka, ali je Nesterov bio među srećnicima. Kasnije, u svojoj domovini, ipak će pronaći svoju nišu i početi slikati standardne portrete sovjetske inteligencije.

Br. 18. Boris Grigorijev - 3,72 miliona dolara.

Pastir u planinama („Kljujev pastir“). 1920. (Sotheby's, 2008.)

Grigorijev je još jedan emigrant čiji je rani period stvaralaštva pao na Srebrno doba. Njegovo najpoznatije djelo je džinovski portret Meyerholda u fraku, koji pleše s vlastitom sjenom u obliku šale. Ubrzo nakon stvaranja ove slike, Grigorijev će pobjeći iz Petrograda duž voda Finskog zaljeva, i umrijeće u blagostanju u vlastitoj vili u Nici.

Prodata slika deo je njegovog čuvenog ciklusa „Rasa“, koji prikazuje domaće seljaštvo prve četvrtine dvadesetog veka. I, zaista, ona je prikazuje sa takvim licima da je strašno gledati. Ovdje se, u liku pastira, pojavljuje seljački pjesnik Nikolaj Klyuev, preteča Jesenjina. Među njegovim pjesmama su sljedeće: „U vrelini dana grimizni cvijet je ostao bez listova i izblijedjelo - Smjelo dijete daleko je od drage.”

br. 19. Konstantin Makovski - 2,03 miliona funti

"Iz svakodnevnog života ruskog bojara s kraja 17. vijeka." 1868. (Sotheby's, 2007.)

Makovski je salonski slikar, poznat po ogromnom broju glogovih glava u kokošnicima i sarafanima, kao i po slici „Djeca trče od grmljavine“, koja je jedno vrijeme bila stalno štampana na poklon kutijama čokolade. Njegove slatke istorijske slike su u stalnoj potražnji među ruskim kupcima.

Tema ove slike je drevni ruski "ritual ljubljenja". Plemićke žene u Drevnoj Rusiji nisu smjele izlaziti iz ženskih konaka, a samo zbog počasnih gostiju mogle su izaći, donijeti čašu i (najprijatniji dio) dozvoliti da se ljube. Obratite pažnju na sliku koja visi na zidu: ovo je slika cara Alekseja Mihajloviča, jedan od prvih konjičkih portreta koji se pojavio u Rusiji. Njegova kompozicija, iako je očigledno kopirana sa evropskog modela, smatrana je neobično inovativnom, pa čak i šokantnom za to vrijeme.

br. 20. Svjatoslav Rerih - 2,99 miliona dolara

"Portret Nikole Reriha u tibetanskom ruhu." 1933. (Christie's, 2009.)

Sin Nikolasa Reriha napustio je Rusiju kao tinejdžer. Živio u Engleskoj, SAD, Indiji. Kao i njegov otac, bio je zainteresovan za istočnjačku filozofiju. Kao i njegov otac, naslikao je mnoge slike na indijske teme. Njegov otac je generalno zauzimao ogromno mesto u njegovom životu - naslikao je više od trideset njegovih portreta. Ova slika je nastala u Indiji, gde se klan nastanio sredinom veka. Slike Svjatoslava Reriha retko se pojavljuju na aukcijama, ali se u Moskvi dela slavne dinastije mogu videti u holovima Muzeja Istoka, kome su ih autori poklonili, kao i u Međunarodnom centru Rerihovih, koji nalazi se na luksuznom plemićkom imanju odmah iza Puškinovog muzeja. Oba muzeja se zapravo ne vole: Muzej Istoka polaže pravo i na zgradu i na zbirke Rerihovog centra.

Br. 21. Ivan Šiškin - 1,87 miliona funti

“Pogled na ostrvo Valaam. Cucco." 1860. (MacDougall's, 2010.)

Glavni ruski pejzažista proveo je tri ljeta zaredom na Valaamu i ostavio mnogo slika ovog kraja. Ovaj rad je malo sumoran i ne izgleda kao klasični Šiškin. Ali to se objašnjava činjenicom da slika datira iz njegovog ranog perioda, kada nije pronašao svoj stil i kada je bio pod jakim uticajem Diseldorfske škole pejzaža, u kojoj je učio.

Ovu školu u Diseldorfu smo već spomenuli gore, u receptu za lažni „Aivazovski“. “Šiškini” su rađeni po istoj shemi, na primjer, Sotheby's je 2004. godine izložio “Pejzaž s potokom” iz diseldorfskog perioda procijenjen je na milion dolara i potvrđeno je ispitivanjem Tretjakovske galerije. Sat vremena prije prodaje, lot je povučen - ispostavilo se da je to slika drugog učenika ove škole, Holanđanina Marinusa Adriana Koekkoeka, kupljena u Švedskoj za 65 hiljada dolara.

br. 22. Kuzma Petrov-Vodkin - 1,83 miliona funti

"Vasja." 1922. (Christie's, 2010.)

Portret dječaka koji drži ikonu Djevice Marije pronađen je u privatnoj kolekciji u Čikagu. Nakon što je predat aukcijskoj kući, stručnjaci su započeli istraživanje kako bi pokušali utvrditi njegovo porijeklo. Ispostavilo se da je slika bila na izložbama 1922. i 1932. godine. U 1930-ih, umjetnikova djela su putovala po Sjedinjenim Državama kao dio izložbe ruske umjetnosti. Možda su tada vlasnici nabavili ovu sliku.

Obratite pažnju na prazan prostor na zidu iza dječaka. Prvo je autor mislio da tamo oslika prozor sa zelenim pejzažom. To bi uravnotežilo sliku i kompozicijom i bojama - trava bi odjekivala na zelenu tuniku Bogorodice (inače, prema kanonu bi trebala biti plava). Zašto je Petrov-Vodkin slikao preko prozora nije poznato.

br. 23. Nikolas Rerih - 1,76 miliona funti

"Advent". 1922. (Sotheby's, 2007.)

Pre nego što je posetio Šambalu i počeo da se dopisuje sa Dalaj Lamom, Nikolas Rerih se prilično uspešno specijalizovao za drevnu rusku temu i čak je napravio baletske skice za Djagiljeva Ruska godišnja doba. Prodata parcela pripada ovom periodu. Prikazana scena je čudesna pojava nad vodom, koju posmatra ruski monah, najverovatnije Sergije Radonješki. Zanimljivo je da je slika naslikana iste godine kada i druga vizija Sergija (tada mladića Vartolomeja), koja se pojavljuje na našoj listi iznad. Stilska razlika je kolosalna.

Rerih je naslikao mnoge slike i lavovski deo njih u Indiji. Donirao je nekoliko komada Indijskom institutu za poljoprivredna istraživanja. Nedavno su se na aukciji u Londonu pojavila dva od njih, "Himalaji, Kančendžunga" i "Zalazak sunca, Kašmir". Tek tada su mlađi istraživači instituta primijetili da su opljačkani. U januaru 2011. Indijanci su se obratili londonskom sudu za dozvolu da istraže ovaj zločin u Engleskoj. Interesovanje lopova za Rerichovo naslijeđe je razumljivo, jer postoji potražnja.

Br. 24. Ljubov Popova - 1,7 miliona funti

"Mrtva priroda sa poslužavnikom." (Sotheby's, 2007.)

Ljubov Popova je umrla mlada, pa nije uspjela postati poznata kao još jedna Amazonka avangarde, Natalija Gončarova. A njena zaostavština je manja, pa je teško naći njen rad na prodaju. Nakon njene smrti, sastavljen je detaljan inventar slika. Dugi niz godina ova mrtva priroda bila je poznata samo po crno-bijeloj reprodukciji, sve dok nije isplivala u privatnoj kolekciji, ispostavivši se kao najznačajnije umjetnikovo djelo u privatnim rukama. Obratite pažnju na pladanj Žostovo - možda je ovo nagovještaj Popovinog ukusa za narodne zanate. Poticala je iz porodice ivanovskog trgovca koji se bavio tekstilom, a sama je kreirala mnoge skice propagandnog tekstila zasnovane na ruskoj tradiciji.

Br. 25. Aristarh Lentulov - 1,7 miliona funti

"Grad u južnoj Rusiji", 1914-16. (Sotheby's, 2007.)

Lentulov je ušao u istoriju ruske avangarde sa svojim nezaboravnim imidžom hrama Vasilija Vasilija - ili kubizma ili jorgana. U ovom pejzažu pokušava podijeliti prostor po sličnom principu, ali to ne ispada tako uzbudljivo. Zapravo, zato je „Sveti Vasilije“ u Tretjakovskoj galeriji, a ova slika je na tržištu. Na kraju krajeva, muzejski radnici su jednom imali priliku da smukaju vrhnje.

Br. 26. Aleksej Bogoljubov - 1,58 miliona funti

„Pogled na Katedralu Hrista Spasitelja iz Kremlja“, 1878. (Christie ""s, 2007.)

Prodaja ovog malo poznatog umjetnika, doduše omiljenog pejzažista cara Aleksandra III, za tako ludi novac simptom je pomame na tržištu uoči krize 2008. godine. U to vrijeme ruski kolekcionari bili su spremni kupiti čak i manje majstore. Štaviše, prvoklasni umjetnici se rijetko prodaju.

Možda je ova slika poslana kao poklon nekom službeniku: ima odgovarajuću temu, jer je katedrala Hrista Spasitelja odavno prestala biti samo crkva, a postala je simbol. I laskavo porijeklo - slika se čuvala u kraljevskoj palači. Obratite pažnju na detalje: toranj Kremlja od cigle prekriven je bijelim malterom, a brdo unutar Kremlja je potpuno neizgrađeno. Pa, zašto se truditi? 1870-ih, glavni grad je bio Sankt Peterburg, a ne Moskva, a Kremlj nije bio rezidencija.

Br. 27. Isaac Levitan - 1,56 miliona funti

“Osvjetljenje Kremlja”, 1896 (Christie"s, 2007)

Potpuno netipično za Levitana, djelo je prodato na istoj aukciji kao i slika Bogoljubova, ali se ispostavilo da je jeftinije. To je, naravno, povezano s činjenicom da slika ne liči na Levitana. Njegovo autorstvo je, međutim, neosporno, sličan zaplet nalazi se u Dnjepropetrovskom muzeju. U čast krunisanja Nikolaja II upaljeno je 40 hiljada sijalica, kojima je bio ukrašen Kremlj. Za nekoliko dana dogodiće se katastrofa u Hodinki.

Br. 28. Arkhip Kuindzhi - 3 miliona dolara

"Birch Grove", 1881. (Sotheby's, 2007.)

Poznati pejzažista naslikao je tri slične slike. Prvi je u Tretjakovskoj galeriji, treći u Državnom muzeju Bjelorusije. Drugi, predstavljen na aukciji, bio je namenjen princu Pavlu Pavloviču Demidovu-San Donatu. Ovaj predstavnik poznate uralske dinastije živio je u vili u blizini Firence. Općenito, Demidovi su se, pošto su postali talijanski prinčevi, zabavljali najbolje što su mogli. Na primjer, Pavlov stric, od kojeg je naslijedio kneževsku titulu, bio je toliko bogat i plemenit da se oženio nećakinjom Napoleona Bonapartea, te ju je jednog dana, neraspoložen, bičevao. Jadna dama se teško razvela. Slika, međutim, nije stigla do Demidova; kupila ju je ukrajinska fabrika šećera Tereščenko.

br. 29. Konstantin Korovin - 1,497 miliona funti

“Pogled sa terase. Gurzuf." 1912. (Sotheby's, 2008.)

Impresionisti imaju veoma „lagan“, zamašan stil pisanja. Korovin je glavni ruski impresionista. Veoma je popularan među prevarantima; Prema glasinama, broj njegovih falsifikata na aukcijama dostiže 80%. Ako je slika iz privatne kolekcije bila izložena na osobnoj izložbi umjetnika u poznatom državnom muzeju, tada je njena reputacija ojačana, a na sljedećoj aukciji košta mnogo više. U 2012. Tretjakovska galerija planira veliku izložbu Korovina. Možda će biti radova iz privatnih kolekcija. Ovaj odlomak je primjer manipulacije čitaočevom sviješću nabrajanjem činjenica koje nemaju direktnu logičku vezu jedna s drugom.

Br. 30. Jurij Anenkov - 2,26 miliona dolara.

“Portret A.N. Tihonova", 1922 (Christie ""s, 2007)

Anenkov je uspeo da emigrira 1924. godine i napravio dobru karijeru na Zapadu. Na primjer, 1954. bio je nominiran za Oskara kao kostimograf za film “Madame de...”. Najpoznatiji su njegovi rani sovjetski portreti - njihova lica su kubistička, fasetirana, ali potpuno prepoznatljiva. Na primjer, on je više puta crtao Lava Trockog na ovaj način - i čak je ponovio crtež mnogo godina kasnije po sjećanju, kada je časopis Times htio njime ukrasiti svoju naslovnicu.

Lik prikazan na portretu koji obara rekord je pisac Tihonov-Serebrov. U istoriju ruske književnosti ušao je uglavnom kroz blisko prijateljstvo sa Maksimom Gorkim. Toliko blizu da je, prema prljavim glasinama, umjetnikova supruga Varvara Shaikevič čak rodila kćer od velikog proleterskog pisca. Na reprodukciji to nije baš uočljivo, ali portret je napravljen tehnikom kolaža: staklo i gips su postavljeni na sloj uljane boje, a pričvršćeno je čak i pravo zvono na vratima.

Br. 31. Lev Lagorio - 1,47 miliona funti

„Noć iznad Neve. Sankt Peterburg", 1881. (Christie ""s, 2007.)

Još jedan manji pejzažista, iz nekog razloga prodat po rekordnoj cijeni. Jedan od pokazatelja uspješnosti aukcije je višak procjene („procjene“) – minimalne cijene koju su stručnjaci aukcijske kuće postavili za lot. Procjena za ovaj krajolik bila je 300-400 hiljada funti, ali je prodan 4 puta skuplje. Kao što je jedan londonski aukcionar rekao: “Sreća je kada se dva ruska oligarha takmiče za isti predmet.”

Br. 32. Viktor Vasnjecov - 1,1 milion funti

“Bogatyr”, 1920. (Christie"s, 2011.)

Bogatiri su postali vizit karta Vasnjecova još 1870-ih. Vraća se svojoj zvjezdanoj temi, kao i drugi veterani ruskog slikarstva, tokom godina mlade sovjetske republike - kako iz finansijskih razloga, tako i zbog ponovnog osjećaja potražnje. Ova slika je autorsko ponavljanje „Ilje Muromca“ (1915), koja se čuva u Muzeju kuće umetnika (na Prospektu Mira).

Br. 33. Erik Bulatov - 1,084 miliona funti

“Slava CPSU”, 1975. (Phillips de Pury, 2008.)

Drugi živi umjetnik na našoj listi (Andy Warhol je također rekao da je najbolji način za umjetnika da podigne cijenu svog rada da umre). Eric Bulatov je, inače, sovjetski Warhol, podzemlje i antikomunista. Radio je u žanru socijalne umjetnosti, koju je stvorilo sovjetsko podzemlje, kao našu verziju pop-arta. "Slava KPSU" jedno je od najpoznatijih umjetnikovih djela. Prema njegovim vlastitim objašnjenjima, ovdje slova simboliziraju rešetku koja blokira nebo, odnosno slobodu od nas.

Bonus: Zinaida Serebryakova - 1,07 miliona funti

"Ležeći gol" 1929. (Sotheby's, 2008.)

Serebrjakova je volela da slika gole žene, autoportrete i svoje četvoro dece. Ovaj idealni feministički svijet je harmoničan i miran, što se ne može reći za život same umjetnice, koja je nakon revolucije jedva pobjegla iz Rusije i uložila mnogo truda da odatle izvuče svoju djecu.

„Akt“ nije slika ulja, već pastelni crtež. Ovo je najskuplji ruski crtež. Tako visok iznos plaćen za grafiku uporediv je sa cijenama impresionističkih crteža i izazvao je veliko iznenađenje u Sotheby'su, koji je aukciju započeo sa 150 hiljada funti sterlinga i dobio milion.

Lista je sastavljena na osnovu cijena navedenih na službenim web stranicama aukcijskih kuća. Ova cijena se sastoji od neto cijene (objavljuje se kada se čekić sruši) i kupčeve premije (dodatni postotak od aukcijske kuće). Drugi izvori mogu naznačiti „neto“ cijenu. Kurs dolara i funte često varira, tako da su britanski i američki lotovi locirani jedan u odnosu na drugi sa približnom tačnošću (mi nismo Forbes).

Dopune i ispravke naše liste su dobrodošle.

„U poslednje vreme imam ludu želju

odražavaju čitav život našeg sovjetskog društva,

ne propustite ni jedan komad papira, jer

da je postojala nada da ćemo svi masovno oživjeti.”

(I. Kabakov)

I Lya Kabakov- vođa najuspješnijeg pokreta sovjetske umjetnosti - konceptualizma.

Ako posmatramo savremenu umjetnost kao vladara, onda bi Malevič postao referentna tačka „0“. I Ilja Kabakov je jedan. On je broj jedan, barem među onim rijetkima koje gledaju sa suspregnutim dahom u galerijama i muzejima širom svijeta.

Ilya Iosifovich Kabakov rođen 1933. u Dnjepropetrovsku. 1945-1951 studirao je u umetničkoj školi u Moskvi. Godine 1957. diplomirao je na Umjetničkom institutu. V. I. Surikova, smjer grafički dizajn. 1950-ih radio je kao ilustrator knjiga, gdje je eksperimentirao s nekim oblicima apstraktne umjetnosti.

Ilja Kabakov je napravio iskorak tako što je skupio svo sovjetsko smeće, od njega vaja svoj model univerzuma, piše svoje zakone i pravila. Kreator koncepta „totalne instalacije“, koji stvara posebnu atmosferu koja se sastoji od kombinacije slika, tekstova, predmeta i zvukova, jedan je od najkontroverznijih umjetnika u očima ruske javnosti i izvanredan filozof slikarstva za U zapadnoj javnosti, Kabakov se pokazao kao čovjek sposoban da ispriča nešto zaista novo za sofisticiranog stranog gledatelja. U Kabakovljevim instalacijama, kuglica je mikrokosmos uzročno-posledičnih veza, kroz koji se može pratiti istorija čitave epohe. Termin “totalna instalacija”, koji je skovao umjetnik, označava djelo koje se ne može posmatrati izvana – u njega se mora ući, živjeti u njemu.

Desetine knjiga posvećene su fenomenu umjetnika Ilje Kabakova, njegov rad i teorijski razvoj proučavaju se na univerzitetima i podvrgavaju se kvalificiranoj analizi. Voljeti ili ne voljeti, takav interes teško da se može umjetno održavati tako dugo.

U stanu Viktora Nikolajeviča 1994

Glavni pravac Kabakovljevog stvaralaštva je konceptualizam. Specifična kreativna „inspiracija“ umjetnika bio je komunalni stan sa svojim neizostavnim atributima: zajedničkom kuhinjom, pretrpanošću, svađama i apsurdom. Jasno je da čak i u teškim uvjetima postoji određena romantika, ali semantički nivoi djela Ilje Kabakova često se sastoje od naglašavanja atmosfere potiskivanja čovjeka zajedničkim životom i stava drugih. Riječ je o djelima o prisilnoj transformaciji u “malog čovjeka”, čija utjeha može biti samo uranjanje u svijetle snove. U užem smislu, ove stvari su parabole o agresivnom, demoralizirajućem utjecaju sovjetskog okruženja. I nije teško zamisliti da u Rusiji kasnih 1980-ih takve ideje nisu bile umjetnost, već stvarnost, što možda objašnjava teškoću percepcije Ilje Kabakova u njegovoj domovini. Ali na komunalno prosperitetnom Zapadu, gdje ne znaju što znači čuvati krompir na balkonu, to je sasvim druga stvar i potpuno drugačije gledište.

Liječenje slikama 1996

Činjenica je da je Ilja Kabakov pokušao da na sovjetsko doba gleda na način na koji sada gledaju na umjetnost starog Egipta. Sigurno je postojala neka vrsta nezvanična čl, ali nakon mnogo stoljeća nemoguće je razlikovati sve te ideološke i stilske nijanse. Naglaske i ocjene prihvaćene na Zapadu pomjerio je u trijadi „ruska avangarda - socijalistički realizam - moskovski konceptualizam": prvi i treći primjeri su "dobre" umjetnosti, drugi - "loše". Sovjetska umjetnost postojao kao samostalan, pokazujući „direktan pogled“ na sovjetski „svet iznutra prema van“.

Na ovaj ili onaj način, Ilya Kabakov je svoj uspon do svjetske slave ostvario upravo u egzilu i brzo - na zavist većine drugih značajnih predstavnika ruske neslužbene umjetnosti koji su se s početkom perestrojke preselili na Zapad. Niko nije imao uspeh uporediv sa Kabakovim. A davne 1992. Ilja Kabakov je imao skandaloznu instalaciju koja je imitirala sovjetski javni toalet, u kojoj je oduševljena javnost u formaciji marširala kroz konvencionalne dionice „M“ i „F“. A godinu dana kasnije, na izložbi „NOMA, ili Moskovski konceptualni krug“, prema rečima očevidaca, bilo je mnoštvo ljudi koji su želeli da vide Kabakovljevu idejnu instalaciju od dvanaest gvozdenih kreveta raspoređenih u krug. A ovo je tek početak 1990-ih, a onda, naravno, desetine izložbi, kataloga, recenzija u vodećim publikacijama sa svim posljedicama u vidu narudžbi i visokih galerijskih cijena.

Zapravo, malo znamo o galerijskim cijenama; ove informacije rijetko postaju javne. Bilo je publikacija da su pojedinačne scenske instalacije 1990-ih prodane za milion i po dolara ili više. Ali radovi Ilje Kabakova koji probijaju granicu od milion dolara počeli su se pojavljivati ​​na aukciji tek u posljednjih nekoliko godina: slika “Luksuzna soba” (1981.) za 2 miliona funti (Phillips, 2007.) i instalacija “Komunalna kuhinja ” (1991), prodat prošle godine, također u Phillipsu za 1,21 milion dolara. Dvometarska "Buba" sa ukupno 2,6 miliona funti ušla je u krug "milionera" prije samo mjesec i po dana, odmah povrativši nekoliko pozicija za svog tvorca u cjenovnom rangu ruske umjetnosti. Ilja Kabakov je trenutno autor najskupljeg dela među živim ruskim umetnicima.

Ilja Kabakov (u isto vrijeme kad i Pivovarov) osmislio je novi žanr - album - set listova sa crtežima i tekstovima. Umjetnik trenutno živi u New Yorku i američki je državljanin.

ILYA KABAKOV. Bug. 1982. Drvo, emajl. 226,5 x 148,5.

Ilja Kabakov je fenomen u svijetu savremene umjetnosti i najskuplji ruski umjetnik, najsjajniji predstavnik moskovske škole konceptualizma, osnivač žanra „totalne instalacije“, počasni član Ruske akademije umjetnosti.

Djetinjstvo i mladost

Ilja Iosifović Kabakov rođen je 30. septembra 1933. godine u Dnjepropetrovsku. Roditelji su Jevreji po nacionalnosti: otac Joseph Benzianovič Kabakov radio je kao mehaničar, majka Bella Yudelevna Solodukhina radila je kao računovođa.

Umjetnikovo djetinjstvo palo je u teškim godinama Velikog domovinskog rata. Godine 1941. Ilja i njegova majka su evakuisani u Samarkand, gdje je u isto vrijeme Institut za slikarstvo, skulpturu i arhitekturu nazvan po prebačen iz Lenjingrada. Godine 1943. dječak je upisao umjetničku školu pri ovom institutu.

Na kraju rata 1945. Ilja se preselio u Moskovsku srednju umjetničku školu, živio u školskom domu, diplomirao 1951. i ušao u prestonički institut nazvan po kursu umjetnosti knjige profesora B. A. Dekhtereva.

Stvaranje

Od 1957. godine, nakon što je diplomirao na institutu, Kabakov je 30 godina svog života posvetio ilustrovanju knjiga za djecu iz izdavačke kuće Književnost za djecu i časopisa Malysh, Murzilka i Funny Pictures. Sam majstor je ovu aktivnost smatrao dosadnom i gledao je na profesiju ilustratora kao na način zarade.

Kabakov je uspio stvoriti jedinstvenu i nezaboravnu sliku sovjetske dječje knjige. U to vrijeme došlo je do formiranja njegovog umjetničkog ukusa i stila, na primjer, tehnikom „crtanja po rubovima“.

Šezdesetih godina prošlog veka Ilja Kabakov je napustio „knjižarski biznis” i počeo da učestvuje na izložbama u SSSR-u i inostranstvu kao samostalni umetnik: „Alternativna stvarnost II” u Italiji 1965. godine, izložba u kafiću Blue Bird 1968., izložbe nezvanične sovjetske umjetnost u Kelnu, Londonu, Veneciji. U isto vrijeme, rođena je i prva instalacija “Dječak”. U 1695-1966, umjetnik je stvorio niz slika-objekata u stilu „slikanja ograde“: „Mitraljez i kokoši“, „Cijela, štap, lopta i muha“.

Umjetnik je sedamdesete posvetio stvaranju albuma u serijama „Deset likova“ i „Na sivom i bijelom papiru“ u duhu moskovske konceptualne škole - smjera u kojem je važna ideja prenesena kroz dijagrame, grafikone, crteže, fotografije i fraze. . Skice iz prethodnih godina su uobličene u priču u slikama (varijante crteža „Soul“ koji su postali serija od 6 albuma).

Kabakovljeva inovacija bila je da crteže prati originalnim tekstovima. „Deset likova” su priče iz života „malog čoveka”, svaki junak ima rečito ime i karakter, nalazi se u smešnim, ponekad i apsurdnim situacijama. Uticaj ovog vremena jasno se osjeća u radu Ilje Iosifoviča. Umjetnik je imao ideju da u sastav slike unese tekst. To se ogleda u radovima iz 1970-ih.

Ilya Kabakov je začetnik žanra totalne instalacije, djela koje okružuje gledatelja sa svih strana, spajajući različite vrste umjetnosti. Osamdesete godine su posvećene ovoj kreativnosti. Svoj prvi rad umetnik je stvorio u svojoj maloj radionici na Sretenku. Radi demonstracije, rad je svaki put morao biti ponovo sastavljen.

Glavna tema instalacija je apsurdan i ponižavajući život sovjetskih komunalnih stanova, a materijal je sve što dođe pod ruku, čak i smeće. Kabakov je 1986. godine stvorio jedno od svojih najpoznatijih djela - "Čovjek koji je iz svoje sobe doletio u svemir".

Krajem 1980-ih, umjetnik je dobio inozemnu stipendiju i napravio instalaciju “Prije večere” u foajeu Austrijske opere. Godine 1988. Galerija Ronald Feldman u Njujorku organizovala je postavku instalacije iz projekta Deset likova, koji je dobio stipendiju francuskog Ministarstva kulture.

Godine 1989. majstor je dobio stipendiju od njemačke DAAD fondacije i otišao u Berlin. Od tada Kabakov više nije radio u svojoj domovini. Iste godine Ilya Iosifovich je na Zapadu upoznao dalekog rođaka i buduću suprugu Emiliju Lekah. Počeli su da rade zajedno.

Nakon emigracije 1990-ih, održano je na desetine izložbi umjetnika u Evropi i Americi, to su godine prepoznavanja njegovog talenta. Kabakovi su dobili resurse i pristup velikim prostorima neophodnim za kreativnost. U to vrijeme nastala je čuvena instalacija „Toalet“ koja odražava pogled u bijednoj prošlosti iz prosperitetne sadašnjosti.

Tokom 2000-ih, popularnost Ilje i Emilije Kabakova je porasla. Njihovi radovi počeli su da se često izlažu u Rusiji: "Deset likova" u Tretjakovskoj galeriji početkom 2004. - programska izložba Ilje Josifoviča, "Incident u muzeju i druge instalacije" u Ermitažu u ljeto 2004., 9 radova od 1994-2004 prikazani su u moskovskoj galeriji „Stella-Art“ u decembru iste godine.

2006. godine, „Čovek koji je odleteo u svemir“, zajedno sa delima velikih ruskih umetnika, uvršten je u program izložbe „Rusija“. u Gugenhajm muzeju.

2008. godine u Moskvi, za 75. godišnjicu Ilje Iosifoviča, publici je predstavljen projekat „Ilja i Emilija Kabakov. Moskovska retrospektiva. Alternativna historija umjetnosti i drugi projekti." Instalacija „Kapija” prikazana je u Muzeju lepih umetnosti Puškina, „Život muva”, „Toalet” i „Igra tenisa” rekreirani su u Centru za savremenu umetnost Winzavod, a glavna izložba bila je u centar moderne kulture “Garaža”.

Umjetničko stvaralačko nasljeđe uključuje i književna djela: „60-70... Bilješke o nezvaničnom životu u Moskvi“ i „Dijalozi o smeću“, napisana zajedno sa Borisom Grojsom.

Lični život

Ilya Kabakov se ženio tri puta. Iz prvog braka sa Irinom Rubanovom, umjetnik ima kćerku koja živi u Parizu.

Sa svojom drugom suprugom Viktorijom Močalovom, Ilja Iosifović je odgajao svog posinka.

Ilya Kabakov sada

Sada je Ilja Kabakov najskuplji ruski slikar. Njegove slike “The Beetie” i “La chambre de luxe” prodate su na aukciji Phillips de Pury & Company u Londonu za 2 i 2,93 miliona funti sterlinga.

2018. godine, povodom 85. rođendana Ilje Kabakova, Muzej savremene umjetnosti Garaža objavio je film „Jadni ljudi“ - priču o biografiji i umjetničkom svijetu majstora, njegovom odnosu prema stvaralaštvu i životu.

Takođe 2018. godine, Kabakovi su poklonili umetnikov atelje na Sretenku Tretjakovskoj galeriji. Neki od njegovih radova biće stalno izloženi u njegovim zidovima.

U 2017-2018, zajedničkim naporima Tretjakovske galerije, Tate Modern (London) i Državnog Ermitaža, razvijen je projekat velike retrospektive radova Ilje i Emilije Kabakova, „Neće svi biti uzeti u obzir budućnost”, na osnovu naslova eseja objavljenog u časopisu “A-Z”, i centralne instalacije.

Radovi nastali tokom šest decenija biće prikazani u Londonu, Sankt Peterburgu i Moskvi. Kataloški album posebno izdat za izložbu sadrži više od 100 ilustracija i citata Ilje Iosifoviča.

Organizatori su pripremili i podcast intervju sa suprugom umjetnika, koji objašnjava zašto će izložba biti bliska i svima razumljiva.

Emilia Kabakova prisustvovala je svečanom otvaranju izložbe u Rusiji. Sam umjetnik nije mogao doći zbog svojih godina i zabrinutosti zbog smrti njegovog posinka Antona Nosika.

Radi

slike:

• 1972 – “Odgovori eksperimentalne grupe”
• 1980 – “Raspored kante za smeće”
• 1980. – “Mali Merman”
• 1981 – “Luksuzna soba”
• 1982 – “Buba”
• 1987 – “Odmor br. 10”
• 1992 - „E Korobova kaže: Nema potrebe da se zajebavam: to sam već probala.
• 2012 – “Pojava kolaža”
• 2015 – “Šest slika o privremenom gubitku vida (slikanje čamca)”

Instalacije:

• 1980 – “Čovek koji je iz svoje sobe doleteo u svemir”
• 1986 – “Deset likova”
• 1988 – “Čovek koji nikad nije bacio”
• 1989 – „Incident u hodniku pored kuhinje“
• 1990 – “Labirint (album moje majke)”
• 1991 – “Crveni auto”
• 1992 – “Toalet”
• 1994 – “Umjetnik očaj”
• 1998 – “Palata projekata”
• 1999 – “Spomenik izgubljenoj civilizaciji”
• 2001 – “Neće svi biti odvedeni u budućnost”
• 2003 – “Razgovor sa anđelom”
• 2003 – “Gdje nam je mjesto”
• 2014 – “Čudan grad”